Самые дорогие шедевры мировой живописи

Картина - это не только произведение искусства, но и ценный товар, который можно выгодно продать. Эта истина была известна еще античным мастерам, но организованна продажа живописных полотен, ставшая сама по себе искусством, возникла лишь в XVIII веке. Именно тогда рынок искусств захватил бывший морской офицер Джеймс Кристи.

Аукционные дома

Первая продажа произведений искусства, положившая начало аукционам «Кристис», состоялась в Лондоне в 1766 году. Позднее у Кристи Екатерина II купила коллекцию живописи, ставшую основой будущего Эрмитажа. Через несколько десятков лет, в середине XIX века, грянула «эпоха больших распродаж» - искусство стало ходким товаром.

Основателем другого знаменитого аукциона «Сотбис» был Сэмюэль Бейкер. Первая распродажа состоялась в 1744 году. Мистер Бейкер ввел в практику каталог с заранее известными начальными ценами лотов. И уже в середине XX века «Сотбис» прочно занял место лидера продаж произведений искусства. Сегодня годовой оборот «Сотбис» составляет порядка двух миллиардов долларов.

Еще один крупный аукционный дом - «Бонэм». Фирма торгует не только живописью, но и антикварными автомобилями, коллекционными винами, коврами. «Бонэм» проводит в год большое количество продаж по всему миру. Следует также вспомнить «Доротеум» - крупнейшую аукционную организацию немецкоязычных стран, которая недавно отметила трехвековой юбилей, и «Мак-Дугаллс» - единственный международный аукцион, специализирующийся на русской живописи...

Итак, рынок произведений искусства успешно действует. Какие же картины привлекают внимание состоятельных приобретателей? Почему эти живописные полотна стоят намного дороже золота? И сколько именно они стоят?

Поль Сезанн - ИГРОКИ В КАРТЫ

Из картин Сезанна, посвященных карточной игре, эта наиболее камерная. Героев полотна объединяет игра, делая их в чем-то похожими, поэтому фигуры мужчин расположены симметрично относительно друг друга. Известны несколько этюдов Сезанна на тему игры в карты, и это доказывает, что у героев картины были реальные прототипы. Художник понимал и любил простых людей с их маленькими радостями и горестями.

Работе над картиной сопутствовали мучительные творческие поиски. Нет ли в расположении фигур тяжеловесности? Не перегружена ли картина деталями? Не лишено ли полотно той чудесной простоты, к которой всегда так стремился Сезанн? Ведь жажда истинного совершенства была присуща художнику как никому другому... этой картины кажутся нам простыми и безыскусными, но это итог тяжелого труда, огромного терпения и настойчивых исканий мастера. Не это ли причина того, что «Игроки в карты» были оценены знатоками в фантастическую по любым меркам сумму - 250 миллионов долларов?

Так и другие великие живописцы, Сезанн задает нам вопрос, на который до сих пор нет однозначного ответа.

«Живописец, смотри, чтобы алчность к заработку не преодолела в тебе чести искусства, ибо заработок чести куда значительнее, чем честь богатства» (Леонардо да Винчи).

Джексон Поллок - НОМЕР 1.1950

Недостаточно известный отечественному любителю живописи американский художник Джексон Поллок произвел настоящую революцию в искусстве живописи. Он был первым, кто отказался от традиционных кистей и палитры. Поллок поливал полотна красками, добиваясь необычного эффекта. Его творчество - мистический экстаз, где мастер, служа красоте, неотделим от собственного творения.

Склонный к эпатажу, Поллок давал своим работам необычные названия. Картина «Номер 1.1950» имеет и более благозвучное название - «Лавандовый туман». Художник сказал: «У картины своя собственная жизнь». Да, Джексон Поллок сделал все для того, чтобы глазу зрителя не за что было зацепиться: взгляд зрителя блуждает по этой картине, наслаждаясь не формой, а игрой цветов и оттенков. Он писал не образы, а «действия», которые совершает как бы сама картина.

Удивительна была манера работы художника: Поллок энергично двигался вокруг холста, густым потоком разливая краски, и не останавливался, пока не видел то, что хотел видеть. И тогда в кажущемся хаосе цветов вдруг проступали очертания истины...

«Я предпочитаю льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже» (Джексон Поллок).

Густав Клиллт - ПОРТРЕТ АЛЕЛИ БЛОХ-БАУЭР I

В тот портрет относится к «золотому» периоду в творчестве художника. Во время поездки по Италии художника вдохновили пышные церковные мозаики в Равенне, богато украшенные золотом. Древний язык настенных изображений Климт перенес в современную живопись. При работе над «Портретом Адели Блох-Бауэр» мастер применил не только масляные краски, но и технику создания рельефа, позолоту. Эта картина известна также как «Золотая Адель», или «Австрийская Мона Лиза». Полотно считается самым значительным произведением Климта.

На портрете изображена Адель Блох-Бауэр, дочь венского банкира, с которой был дружен художник. Обращают на себя внимание лицо и руки Адели, написанные весьма реалистично. Адель держит сцепленные кисти рук перед грудью и смотрит на зрителя в упор, чем достигается особый эффект этой картины. Поверх платья на модель наброшена струящаяся шаль с преобладающими золотыми тонами. Климт использует на картине узор из хаотично расположенных стилизованных глазков, вписанных в треугольники, намекая на распространенный символ «всевидящего ока». Кресло угадывается лишь по спиральному рисунку, а зеленый фрагмент пола придает фигуре устойчивость.

«Не бойся совершенства - тебе его не достичь никогда» (Сальвадор Дали).

Эдвард Мунк - КРИК

Продажа этой картины когда-то установила абсолютный рекорд на рынке искусств и на торгах аукциона «Сотбис» в частности. Ожидаемая высокая цена на знаменитую картину оказалась выше, чем предполагали самые смелые эксперты! Впрочем, этот рекорд вскоре был побит...

«Крик» - самое известное произведение мастера, общеизвестный знаковый образ в живописи XX века. Мунк передает внезапно охвативший героя ужас через цветовую гамму и с помощью извивающихся линий, которые словно опутали кричащего человека.

Уже в начале карьеры выставка Мунка вызвала скандал и была досрочно закрыта: публика оказалась не готова воспринимать тяжелую атмосферу его полотен.

Страдавший душевным расстройством Мунк видел мир по-особому: он привнес в живопись отрицание гармонии цветов и форм, насытил свои работы философией разочарования и одиночества.

Картина «Крик» однажды побывала в руках похитителей: в 2004 году вооруженные злоумышленники похитили полотно из музея. Картина пострадала - на ней остались следы влаги, холст был надорван. И несмотря на это коллекционеры посчитали за честь иметь «Крик» в своем собрании.

«Кто чувствует живопись, тот меньше видит предмет, кто видит предмет, тот меньше чувствует живописное» (Казимир Малевич).

Пабло Пикассо - ОБНАЖЕННАЯ НА ФОНЕ БЮСТА И ЗЕЛЕНЫХ ЛИСТЬЕВ

Как-то раз в студию Пикассо явилась миллионерша. Дама заинтересовалась одной из картин. «А что здесь нарисовано?» - спросила она. «Двести тысяч долларов», - иронически ответил художник. Этот анекдот как нельзя лучше характеризует великого испанца, сумевшего сделать состояние на своих полотнах. Когда у Пикассо спросили, почему он не украшает свой дом собственными картинами, тот ответил: «Они мне не по карману». И если полвека назад подлинное полотно Пикассо можно было купить за несколько сотен тысяч долларов, то сегодня за него придется выложить уже несколько десятков миллионов.

Картина «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев» была написана Пикассо в 1932 году. На ее создание мастер потратил всего один день. На картине в характерной для Пикассо в тот период манере изображена муза художника - Мария-Тереза Вальтер. Мастер представил ее в облике мифической Дафны - нимфы, превращенной Зевсом в лавровое дерево. На картине Пикассо листья священного лавра осеняют лежащую женскую фигуру.

Сегодня «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев» считается самым значительным произведением живописи в период между двумя мировыми войнами. «Живопись еще нужно изобрести» (Пабло Пикассо).

Пабло Пикассо - МАЛЬЧИК С ТРУБКОЙ

Эта картина была написана 24-летним Пикассо на Монмартре в ранний период его творчества. На ней изображен мальчик с трубкой в левой руке и с короной из роз на голове.

Работа считается переломной в творчестве Пикассо. После жизнерадостной череды гимнастов, танцовщиц, уличных артистов он написал простой портрет печального парижского юноши. История сохранила обстоятельства создания этого полотна. Несколько недель портрет оставался незавершенным. Как-то вечером Пикассо покинул компанию друзей, вернулся в студию и несколькими мазками дополнил картину розовым фоном и увенчал голову мальчика розами. Эти несколько минут вдохновения подарили миру еще один шедевр.

Мастер точно передает меланхолию и поэтичность композиции, как бы напоминая зрителю о печали, которая неотрывно сопровождает художника на его тернистом творческом пути. Недаром цветы, изображенные Пикассо, розы. «Розы, которыми увенчана голова человека, имеют шипы» - таково откровение Пикассо.

История «Мальчика с трубкой» прослеживается, начиная с 1910 года: работа многократно выставлялась, в частности, в Музее современного искусства Нью-Йорка, знаменитой лондонской галерее Тэйт и др. «Высшая похвала живописцу - когда мы забываем его за его произведениями» (Фридрих Шиллер).

Пабло Пикассо - ПОРТРЕТ ЛОРЫ МААР

Моделью для художника послужила Дора Маар - французская художница и фотограф, входившая в круг сюрреалистов. Пикассо познакомился с ней в 1936 году, и Дора стала подругой художника на целых девять лет. Любовники имели заметную разницу в возрасте: Пикассо было 53 года, а Доре исполнилось 28 лет. Лучшие фотографии Пикассо парижского периода были сняты Дорой. Пикассо нравилось создавать изображения печальной Маар, и в творчестве художника она навсегда осталась «плачущей женщиной». В 1945, после разрыва с Пикассо, Маар пережила тяжелое душевное потрясение, от которого так и не смогла оправиться. Ей, ставшей тенью великого мастера, было суждено забвение. Творческое наследие самой Доры было оценено по достоинству лишь после ее смерти...

Пикассо создает на холсте ирреальный мир галлюцинаций. Его воображение разнимает фигуру модели на части, лишая ее привычных форм. Так художник воплощал агрессивную чувственность, которая, по его мнению, является истинной природой женщины. В «Портрете Доры Маар» нет присущих Пикассо изящества и гениальной работы с палитрой - он создает изломанно-нервный образ женщины, которую готов вот-вот разлюбить... «В детстве мать говорила мне: "Если ты пойдешь в армию - будешь генералом; если в монахи - папой римским". Так и вышло: я стал художником и дослужился до Пикассо» (Пабло Пикассо).

Густав Климт - ПОРТРЕТ АДЕЛИ БЛОХ-БАУЭР II

Такой была на самом деле женщина, вдохновившая Климта? Племянница Адели Блох-Бауэр вспоминала свою тетку как «вечно страдающую головной болью, курящую как паровоз, ужасно нежную и томную... Одухотворенное лицо... Самодовольная и элегантная». Художник приложил максимум усилий, чтобы передать на картине часть того очарования, которое излучала Адель. Темные волосы и яркие губы модели контрастируют с бледными тонами полотна. Они выделяются на фоне остальных элементов, которые исполнены уже в орнаментальной манере. Климт отказался от изображения перспективной глубины на картине, отдав предпочтение плоскости.

^Разделенный по горизонтали на красную и зеленоватую части интерьер, а также платье модели выглядят простыми двухмерными плоскостями. Руки модели изображены почти схематично; они выглядят слабыми и безжизненными. Упрощая интерьер, художник привлекает особое внимание зрителя к лицу модели, оттененному черной широкополой шляпой. Адель чувственна и таинственна, а ее поза напоминает старинное иконописное изображение...

«Рисовать вовсе не значит просто делать контуры; рисунок не состоит только из линий. Рисунок - это еще и выразительность, внутренняя форма, план, моделировка» (Жан Огюст Доминик Энгр).

Винсент Ван Гог - ПОРТРЕТ ДОКТОРА ГАШЕ

Оригинальное название картины - «Портрет доктора Гаше с веточкой наперстянки». Моделью послужил врач, лечивший художника от болезни сердца. Ван Гог увековечил и наперстянку - целебное растение, спасшее не одну жизнь.

Итория этой картины головокружительна, как и жизнь самого Ван Гога. После смерти мастера она перешла по наследству к его сестре, которая, испытывая денежные затруднения, продала «Портрет доктора Гаше» частному коллекционеру. Несколько раз полотно переходило из рук в руки, пока не было в 1911 году приобретено художественным институтом во Франкфурте-на-Майне. После прихода к власти Гитлера в порядке борьбы с «дегенеративным искусством» «Портрет доктора Гаше» был снят с экспозиции и хранился в запасниках. Рейхсмаршал Герман Геринг продал картину коллекционеру из Амстердама, а тот, в свою очередь, перепродал полотно любителю живописи, бежавшему во время войны в США. И только в Метрополитен музее Нью-Йорка картина обрела на какое-то время покой...

История «Портрета доктора Гаше» очень показательна: картина, попавшая в коммерческий водоворот, не скоро выберется из него, и цена ее от продажи к продаже будет только расти. Об этом свидетельствует ее очень высокая аукционная цена, заметно возросшая от начальной стоимости лота. «Я заплатил жизнью за свою работу, и она стоила мне половины рассудка» (Винсент Ван Гог).

Энди Уорхол - БИРЮЗОВАЯ МЭРИЛИН

Знаменитый уорхоловский портрет Мэрилин Монро создан в технике шелкографии - краски здесь нанесены не на холст, а на шелковую ткань. Художник использует стереотип «звезды» с кричаще привлекательной внешностью. Узнаваемое лицо Мэрилин становится здесь как бы идеей самого себя: образ не только доведен автором до некоего «коммерческого совершенства», но и выходит далеко за этот предел. Иногда такую живописную манеру называют «гиперреализмом», то есть реализмом, превзошедшим самого себя.

Согласно другому определению, такую «живопись» называют «кислотной» («кислота» здесь - жаргонное обозначение наркотика). По замыслу Уорхола, зритель должен находиться в измененном состоянии сознания, и лишь тогда портрет заиграет настоящими красками.

Мэрилин Монро здесь перестает быть индивидуальностью, самобытной личностью, становясь стереотипом, иконой, идеалом для подражания, который невозможно превзойти. Да и как можно подражать женщине, способной одним взмахом ресниц покорить сразу дюжину мужских сердец?!

«Я пишу картины именно так, а не иначе потому, что хочу быть машиной, и я чувствую, что то, что я делаю, уподобляясь машине, - это то, что я хочу делать» (Энди Уорхол).

Джаспер Джонс - ФАЛЬСТАРТ 1959

В месте, где я вырос, не было художников и искусства, я действительно не знал, что это такое», - говорил Джаспер Джонс, выросший в захудалом городишке в штате Южная Каролина. Наиболее значительной в творческом наследии художника считается серия его ранних живописных работ, созданная в 1950-х годах. Наиболее известно полотно Джонса «Флаг», которое он нарисовал под впечатлением сна, где ему явился американский флаг.

Работы Джаспера Джонса обычно относят к поп-арту - жанру искусства, использующему образы массовой культуры. Ранние творения художника созданы с применением самых простых образов: знамен, букв, цифр, географических карт.

Картина Джонса сразу привлекает внимание зрителя - она сочная и живописная. Пользуясь отчасти смешанной техникой, мастер нередко включал в живописные работы энкаустику (письмо расплавленными красками) и рельеф (визуальное «опускание» отдельных частей полотна).

В настоящее время Джаспер Джонс проживает в Коннектикуте. Это самый дорогой из ныне здравствующих художников мира.

«Картина у живописца будет мало совершенна, если он в качестве вдохновителя берет картины других; если же он будет учиться на предметах природы, то он произведет хороший плод...» (Леонардо да Винчи).

Пьер Огюст Ренуар - БАЛ В МУЛЕН ДЕ ЛА ГАЛЕТТ

Ренуар - единственный великий художник, не написавший за свою жизнь ни одной грустной картины», - сказал французский писатель Октав Мирбо. «Бал в Мулен де ла Галетт» - пример «веселого» искусства живописца.

Сюжет для своего шедевра Ренуар нашел в одноименном ресторане на вершине Монмартрского холма. По вечерам в «Мулен де ла Галетт» собиралась разношерстная публика: швеи, торговцы, люди искусства. Ренуару нравилась непритязательная атмосфера этого места.

Всю новизну пронизанной светом картины выразил Жорж Ривьер, биограф великого художника: «Никому до Ренуара не приходило в голову изобразить в полотне столь значительного размера кусок повседневной жизни: это отважный поступок».

Мастер писал «Бал в Мулен де ла Галетт» в саду, где играющие лучи солнца пробивались сквозь листву, создавая неповторимые световые эффекты. Для этой большой композиции художнику позировали его друзья и знакомые. А вот на переднем плане, в центре, мастер расположил подлинных девушек из «Мулен де ла Галетт» - Эстель и Жанну.

«Это одно из удачнейших произведений: в нем выражены и опьянение танцем, и шум, и солнечный свет, и пыль, поднятая танцующими, и ритмический водоворот платьев, и взрыв страсти, наслаждение и усталость...» (Гюстав Жеффруа).

Питер Пауль Рубенс - ИЗБИЕНИЕ МЛАДЕНЦЕВ

Вдохновенное творчество великого Рубенса берет начало в мире античного искусства и искусства Возрождения. Изучив живопись Италии и возвратившись в родной Антверпен, Рубенс создает серию картин на мифологические и религиозные темы. Не знавший сомнений и разочарований мастер был всегда уверен в успехе, и фортуна неизменно сопутствовала ему. Обласканный монархами и любимый простыми людьми, Рубенс смело творил собственную художественную вселенную.

Картина «Избиение младенцев» изображает известное библейское событие - истребление иудейских младенцев царем Иродом, узнавшем о скором явлении мессии-избавителя. На полотне изображен сад во дворце Ирода. Свирепые воины с обнаженными мечами вырывают младенцев из рук матерей, горько рыдающих и пытающихся защитить своих первенцев. Земля усыпана мертвыми телами. Алый цвет женского платья в центре композиции напоминает о безвинно пролитой крови. Следуя традиции эпохи Возрождения, мастер придает персонажам черты античных героев. Несмотря на динамичный сюжет, пространство картины четко организовано: Рубенс отлично усвоил уроки своих великих предшественников...

«Художник должен присутствовать в своем произведении, как бог во Вселенной: быть вездесущим и невидимым» (Гюстав Флобер).

Ганс Гольбейн Младший - ДАРМШТАДТСКАЯ МАДОННА

Появление еще одной картины старинного мастера на открытых торгах вызвало немалый ажиотаж. Как всегда, появление работы великого художника прошлого привлекло интерес прессы и специалистов. Ее цена стала абсолютно рекордной для шедевров германской живописи.

«Мадонну» называют «северной сестрой «Сикстинской Мадонны». Другое название картины - «Мадонна семейства Мейер», по имени заказчика работы. Мы видим у ног Мадонны преклонившего колени донатора (так называют человека, заказавшего картину). На картине, написанной в 1526 году, изображен бургомистр Базеля Якоб Мейер, его бывшая и настоящая жены, а также дочь Анна, расположившиеся вокруг Мадонны с младенцем Иисусом на руках. Как свидетельствуют очевидцы, от лица Мадонны Гольбейна исходят особый свет и особое душевное тепло, чем могут похвастаться только истинные шедевры.

«Фармштадтская Мадонна» отличается тонкой прорисовкой, прозрачностью светотени, сочностью красок. Гольбейн перенес в Германию художественные идеи итальянского Возрождения и успешно использовал их в своем творчестве. Особенно тщательно художник готовил карандашные наброски к своим полотнам. Некоторые из них сохранились, и мы можем краем глаза заглянуть в творческую лабораторию великого живописца.

«Прямая обязанность художника - показывать, а не доказывать» (Александр Блок).

Марк Ротко - БЕЛЫЙ ЦЕНТР

Настоящее имя художника - Маркус Роткович. Он родился в дореволюционной России, в образованной еврейской семье в Витебской губернии, затем вместе с родителями переехал в Соединенные Штаты. Его считают создателем «живописи цветового поля» и ведущим представителем абстрактного импрессионизма - стиля живописи, популярного в США.

Получивший религиозное образование Марк воспринимал искусство живописи как инструмент не только эмоционального, но и религиозного самовыражения. Его первые полотна - городские зарисовки и интерьеры, выдержанные в темных тонах, были хорошо приняты критиками.

В зрелом периоде художник создавал сюрреалистические картины на мифологические и религиозные сюжеты. Наполовину абстрактные формы, рожденные фантазией Ротко, получили название «биоморфные». «Мы начинаем с цвета» -так писал художник, утверждавший, что работа живописца сродни детскому рисованию. Сам Ротко понимал свою творческую задачу как «простое выражение сложной мысли». Работы, прославившие его, представляют собой большие прямоугольные полотна с парящими в пространстве цветовыми плоскостями - элементами «живописи цветового поля».

«Сегодня людям хочется все объяснить. Но если можно объяснить картину, значит это уже не искусство» (Пьер Огюст Ренуар).

Тициан Вечеллио - ДИАНА И АКТЕОН

Тициан - великий художник эпохи Возрождения, не нуждающийся в представлении. Его имя стоит в одном ряду с Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэлем.

«Диана и Актеон» - картина, созданная в 1556-1559 г.г., одно из семи полотен, написанных Тицианом на мифологические темы по заказу короля Филиппа Испанского. На полотне запечатлен момент, когда Актеон созерцает обнаженную богиню, вызвав тем самым ее гнев.

За более чем четыре века своего существования шедевр Тициана побывал во многих музеях и частных коллекциях Европы. В конце XVIII века «Диана и Актеон» оказалась в Англии, в частном владении, однако была доступна для публики. Работой мастера вдохновлялись лучшие живописцы Туманного Альбиона. В 2000 году коллекция картин, куда входила «Диана и Актеон», перешла в наследство седьмому герцогу Сазерленду. Современный вельможа изъявил желание продать картину государству. Национальная галерея Шотландии и лондонская Национальная галерея заявили о сборе средств в фонд выкупа живописного шедевра. Необходимая сумма была собрана, и «Диана и Актеон» стала национальным достоянием британцев. Картина будет попеременно демонстрироваться в национальных галереях Эдинбурга и Лондона.

«Нужно работать быстро, но не спешить заканчивать. Чтобы закончить, иногда нужно два-три мазка, а вот каких, не сразу решишь» (Исаак Левитан).

Амедео Модильяни - ОБНАЖЕННАЯ, СИДЯЩАЯ НА ДИВАНЕ

Картина, второе название которой «Прекрасная римлянка», установила очередной рекорд цены на аукционе «Сотбис». Сам экспрессивный Модильяни, который в свое время был другом-соперником самого Пикассо, вряд ли удивился бы этому.

В период с 1917 по 1919 гг. Модильяни создал серию полотен в жанре ню. «Обнаженная, сидящая на диване» - яркий пример интереса художника к теме обнаженной натуры. Модель изображена в мягкой манере, она дарит впечатление юности и красоты. Ее живое лицо и особенно глаза существенно отличаются от поздних полотен мастера, где изображены женщины с опустошенным взглядом. Яркие подведенные губы задерживают внимание зрителя на утонченном овале лица модели. Это чувственное полотно однако лишено присущей другим картинам Модильяни эротической провокации. Простыня, в которую драпируется женщина, создает один из динамических эффектов полотна. Современники угадывали в «Обнаженной, сидящей на диване» черты Беатрис Гастингс - английской поэтессы, позировавшей для нескольких картин Модильяни.

«Живопись поднимает вечный вопрос: вся ли человеческая жизнь открыта нам, а вдруг нам известна лишь та ее половина, которая заканчивается смертью» (Винсент Ван Гог).

Томас Икинс - КЛИНИКА ГРОССА

Томас Икинс (Эйкинс) - американский художник, основоположник реализма в американской живописи. Многофигурное полотно «Клиника Гросса» считается важнейшей из работ мастера. На ней изображен знаменитый американский хирург XIX века Сэмюэль Гросс, руководящий операцией в окружении кураторов и студентов. Героическая фигура Гросса с окровавленным скальпелем в руке символизирует силу науки, побеждающей природу. Художник точно отобразил реалии того времени: медики оперируют в повседневном платье; ассистент держит на лице пациента повязку с хлороформом; на первом плане с большой точностью выписан хирургический инструментарий того времени. Интересна фигура испуганного молодого человека, закрывающего лицо руками. Полотно довольно большое - 2x2,5 метра.

Современников шокировал реализм Икинса, и «Клиника Гросса» впервые была продана за смехотворную сумму в 200 долларов. Но время расставило все по своим местам. Когда в 2006 году картину вознамерилась приобрести вашингтонская Национальная галерея искусств, в Филадельфии была собрана сумма, позволившая филадельфийскому Музею искусств и пенсильванской Академии искусств приобрести картину в совместное владение. Так шедевр остался на родине художника.

«После сюжета как такового к интереснейшим свойствам пейзажа относятся движение, жизнь. Оживление полотна - одна из величайших трудностей живописи» (Альфред Сислей).

Ци Байши - ОРЕЛ НА СОСНЕ

Байши - известный китайский живописец XIX-XX вв., создавший образцовые произведения современной китайской живописи в традиционной технике - водяными красками по шелку и бумаге.

Картина «Орел на сосне» считается одной из лучших работ Ци Байши. Это свиток, состоящий из трех частей: двух вертикальных полос с каллиграфически исполненными иероглифами и средней части, изображающей орла со сложенными крыльями. Эта картина очень поэтична, а образ китайской природы поражает своей утонченностью. На своих полотнах-свитках Ци Байши часто оставлял мысли об искусстве - этот прием также относится к китайской живописной традиции. Вдохновение он находил в работах старинных китайских мастеров, дополняя и творчески преобразуя ее, придавая устоявшимся образам новое, свежее содержание.

Ци Байши много путешествовал, изучая живопись других народов. Художник с блеском преподавал в Пекинской академии художеств. Огромный вклад художника в дело сближения культур разных народов был отмечен высокой наградой: в 1956 году Ци Байши стал лауреатом Международной премии Мира.

«Художники пишут глазами любви, и только глазам любви следует судить их» (Готхольд Эфраим Аессинг).

Ван Мэн - ПЕРЕСЕЛЕНИЕ ЖИЧУАНА

О китайском художнике Ван Мэне, жившем в XIV веке, известно немногое. Он жил весьма скромно, выполняя заказы вельмож и понемногу работая для себя. Ван Мэн слагал стихи, владел искусством каллиграфии и обладал великолепной памятью. Сегодня мастер был бы очень удивлен, узнав, в какую сумму спустя шестьсот лет оценено его творение! Уже в преклонном возрасте художник был лживо обвинен в государственной измене и казнен.

Ван Мэн - мастер пейзажа. В Китае в понятие пейзажа вкладывается несколько иной смысл, нежели в Европе: художник-пейзажист должен не только реалистично изобразить увиденное, но и придать ему некое четвертое, духовное измерение. При рассмотрении «Переселения Жичуана» видна текстура, созданная работой кисти художника. Множество нюансов мазка и оттенков туши делают картину богаче и интереснее, чем это может показаться на репродукции. Тем-то и ценно наследие старинного китайского мастера... Ван Мэн продолжил богатейшую традицию китайского пейзажа, придав ей обновленное звучание. Мастер создал новый стиль, влияние которого распространилось на современную китайскую живопись.

«Где дух не водит рукой художника, там нет искусства» (Леонардо да Винчи).

Клиффорд Стилл - 1949-А-№1

Картина с таким необычным названием принадлежит кисти американца Клиффорда Стилла - одного из наиболее значительных представителей абстрактного экспрессионизма XX века. Ее название объясняется просто: полотно создано в 1949 году. Разочарованный «коррумпированным искусством большого города», Стилл нашел себя в живописном нонконформизме, который, однако, весьма скоро нашел своих рьяных приверженцев.

Уже первая персональная выставка Стилла в музее Пегги Гуггенхайм снискала ему славу одного из ведущих художников США. Он разработал свой собственный художественный стиль - так называемую манеру абстрактного «цветового поля». Художник был родом из Северной Дакоты, широта ландшафтов которой вдохновляла его в течение всей жизни.

Картину «1949-А-№ 1» можно сравнить с работой Марка Ротко, также представленной в этой книге. Художник предлагает зрителю разгадать своеобразный цветовой ребус, призванный прежде всего породить определенное настроение. Стилл пытался выразить сложное через простое. Удалось ли ему решить эту непростую задачу, судить нам с вами...

«Бог - это нечто неизмеримое, и я чувствую его в себе. Только в него я верю. Я не верю ни в то, что я осязаю, ни в то, что вижу. Мой мозг, мой разум кажутся мне лишь краткой сомнительной реальностью. Только мое внутреннее чувство я по праву считаю вечным и раз и навсегда определенным» (Гюстав Моро).

Поль Сезанн - НАТЮРМОРТ С КУВШИНОМ И ДРАПИРОВКОЙ

Этот натюрморт входит в серию, состоящую из шести работ: на каждом полотне здесь изображены одни и те же предметы. Сезанн демонстрирует удивительное мастерство в передаче световых эффектов, способных изменить до неузнаваемости самые обычные вещи.

Задний план картины разделяется краем занавески; предметы симметрично расположены вокруг кувшина. Мастер умышленно допустил искажения перспективы: стол и стоящее в его центре блюдо выглядят опрокинутыми и выгнутыми. Так Сезанн отыскал связь трехмерного мира с плоскостью живописного полотна. Этот прием оказал огромное влияние на художников новейшего времени.

Немало времени прошло с момента создания карандашного наброска до завершения работы. Сезанн использовал весь арсенал живописной техники. Так, растирая пальцами краску, он придал поверхности фруктов шершавую фактуру, а для создания эффекта патины художник несколько раз покрывал холст белой краской, а затем стирал ее.

Чрезвычайно требовательный к себе, Сезанн в то же время требует внимания и полной сосредоточенности от зрителя своих живописных полотен.

«Почему две краски, расположенные рядом, поют? Может ли кто-то объяснить это? Нет. Поэтому никто никогда не сможет научить рисовать» (Пабло Пикассо).

Казимир Малевич - СУПРЕМАТИЧЕСКАЯ КОМПОЗИЦИЯ

Казимир Малевич начинал работать в послереволюционной Москве, еще полной энтузиазма строительства нового мира. Тогда было востребовано искусство, ломающее традиционные представления о живописи. «Супрематическая композиция» была создана в 1916 году и в 1919 выставлялась в Москве. Побывала она и на европейских выставках, пока наконец не была вывезена в Амстердам. Полотно едва не погибло в период нацистской оккупации Европы, а после войны оказалось за океаном, в США.

«Супрематическую композицию» следует воспринимать как еще один манифест абстрактного искусства, преодолевшего форму предмета и нашедшего себя в неудержимой динамике и цвете.

Малевич жил в Советском Союзе, но не испытывал видимого недостатка творческой свободы. Он занимал важные должности, принимал участие во всесоюзных художественных акциях, был востребован как педагог и публицист. «Дивный новый мир», выстроенный на обломках царской России, принимал его полное дерзости творчество. Суждено ли было Малевичу воплотить в жизнь свои самые сокровенные замыслы? Смерть художника в 1935 году оставила этот вопрос без ответа...

«Квадрат не подсознательная форма. Это творчество интуитивного разума... Картину нельзя рассматривать только с точки цвета, ее нужно видеть и слышать» (Казимир Малевич).

Винсент Ван Гог - ПШЕНИЧНОЕ ПОЛЕ С КИПАРИСАМИ

Одной из самых популярных и широко известных серий картин Ван Гога являются его кипарисы. Эти деревья, столь любимые художником, стали своеобразным фирменным знаком художника. Знатоки находят в колорите и композиции этой картины следы душевной болезни Ван Гога, которая и погубила его. В отличие от импрессионистов, мастер не придерживается только зрительных впечатлений: Ван Гог пользуется приемом стилизации, чтобы свободно передать материальность окружающего мира. Его интересует не сиюминутное и преходящее, а постоянство окружающего мира, чтобы донести до зрителя свое понимание пейзажа как вместилища человеческих чувств.

«Пшеничное поле с кипарисами» - одна из картин, оказавших огромное влияние на новую живопись XX века. Без Ван Гога не было бы художников-символистов, чье наследие сегодня пронизывает культуру «цифровой эпохи».

«Прекрасное зрелище создает солнце, когда оно на закате. Оно освещает все высокие здания городов и замков, а также высокие деревья в открытом поле и окрашивает их в свой цвет... Поэтому ты должен взять ту краску, которой делаешь солнце, и примешивать ее к каждой светлой краске, которой освещаешь эти предметы» (Леонардо да Винчи).

Винсент Ван Гог - ИРИСЫ

«Ирисы» - одна из поздних работ великого нидерландского живописца. Она была написана в период, когда Ван Гог жил в лечебнице Святого Павла в Провансе, за год до смерти мастера. В картине нет той напряженности, которая проявится в его последних работах. Сам Ван Гог назвал картину «громоотводом для болезни»: продолжая работу над ней, он сдерживал развитие своего тяжкого душевного недуга. «Поведение и высказывания Винсента непонятны, кажутся опасными, к тому же ходят слухи, что он домогается местных женщин... И другие местные жители высказываются о Ван Гоге как о человеке странном, непредсказуемом», - свидетельствовал современник.

В картине заметно влияние японской гравюры, которая в те годы переживала пик европейской популярности. Это влияние пролеживается в контурах предметов, необычных ракурсах, наличии детально прорисованных участков, а также участков сплошного цвета, не имеющих соответствия в зримой реальности.

Первым владельцем картины был французский писатель Октав Мирбо, купивший ее за 300 франков, а спустя почти сто лет, в 1987 году, «Ирисы» стали самой дорогой картиной, установив тогдашний абсолютный рекорд. В 1990 году «Ирисы» были перепроданы музею Гетти в Лос-Анджелесе, где находятся и сегодня.

«Когда исчезнет привычка сознания видеть в картинах изображение уголков природы, мадонн и бесстыдных Венер, тогда только увидим чисто-живописное произведение» (Казимир Малевич).

Пабло Пикассо - ПОРТРЕТ АНХЕЛЯ ФЕРНАНДЕСА ДЕ СОТО

Картина, второе название которой «Любитель абсента», была создана в 1903 году и относится к числу наиболее значительных произведений раннего периода творчества художника. Картины этого периода редко появляются на рынке изящных искусств.

На портрете изображен близкий друг Пикассо, усилиями которого была устроена первая выставка работ молодого художника, состоявшаяся в 1899 году в Барселоне. Дружба связывала Пабло и Анхеля до смерти последнего: де Сото был убит во время Гражданской войны в Испании. Лицо Анхеля де Сото утонченно, перед ним на столе бокал абсента и ложечка для сахара, которым любители сдабривали этот горький дурманный напиток, порождающий галлюцинации.

До последней продажи полотно принадлежало частной коллекции прославленного американского композитора Эндрю Ллойда Уэббера, автора мюзиклов «Иисус Христос - суперзвезда», «Кошки», «Призрак оперы». По желанию владельца, «Портрет Анхеля Фернандеса де Сото» выставлялся в Москве, и на нем впервые в истории России присутствовали официальные представители аукционного дома «Кристи».

«Художник должен заботиться не о том, чтобы его произведение нашло признание, а о том, чтобы оно заслуживало его» (Мария Эбнер-Эшенбах).

Пабло Пикассо - СОН

Это полотно- еще один шедевр кисти непотопляемого гения живописи. На картине изображена Мария-Тереза Вальтер, любовница Пикассо. В 1927 году сорокапятилетний художник познакомился с юной Марией. Мастер увидел девушку на одной из парижских улиц и обратился к ней со словами: «Мне хочется написать ваш портрет. Мне кажется, вместе мы можем делать много интересного. Я Пикассо». Встреча с гением полностью изменила жизнь Марии-Терезы, которой лишь исполнилось семнадцать. Она стала тайной любовницей Пикассо и родила ему дочь. Несмотря на надежды девушки, мастер так и не женился на ней. Образ Марии-Терезы на картине пронизан теплотой, светом и чувственностью.

С этой картиной связана еще одна драматическая история. В 2006 году владелец шедевра Стив Вайн во время показа случайно задел полотно локтем. Картина получила «травму» - на ней возник разрыв диаметром 3x3 см. Позднее «Сон» был успешно отреставрирован, однако самым дорогим произведением живописи «Сон» так и не стал - потенциальный покупатель не решился выложить требуемую астрономическую сумму за «отремонтированный» шедевр...

«Есть художники, превращающие солнце в желтое пятно. Но есть и те, кто, используя свое искусство и ум, превращают желтое пятно в солнце. Вдохновение существует, но оно должно приходить во время работы... Откладывайте на завтра лишь то, что вы не хотите завершить до самой смерти» (Пабло Пикассо).

Пабло Пикассо - АВТОПОРТРЕТ (Я, ПИКАССО)

В этом портрете мы видим великого художника полным энергии, творческих замыслов и здорового эгоизма. Написанная в раннем периоде творчества художника, картина еще традиционно фигуративна: образ Пикассо близок к реальности. Его внешность подчеркнуто артистична: шелковый бант на шее, модная в начале XX века свободная прическа, блуза художника. Пикассо на автопортрете еще не знает о всемирной славе, которая ему уготована. Сейчас его больше интересуют творческие поиски в малоизученной еще области нового искусства, обрывающего связи с классической живописью XIX века.

Палитра, которую держит в руках Пикассо, уже наполнена яркими живыми красками: она словно предвосхищает неистовство ярких цветов его последующих полотен...

В ряду автопортретов, созданных художником в разные периоды творчества, этот наиболее реалистичен. В нем прослеживаются черты романтизма, импрессионизма и собственной неповторимой манеры Пикассо. Эту работу мастер создавал прежде всего для себя как знак собственной творческой силы. Но судьба полотна сложилась иначе - «Я, Пикассо» с течением времени приобрел цену, о которой не мог бы мечтать и самый самонадеянный молодой живописец...

«Я не ищу - я нахожу» (Пабло Пикассо).

Рафаэль Санти - ГОЛОВА МУЗЫ

Известность величайшего гения эпохи Возрождения Рафаэля Санти так велика, что даже его эскизы стоят огромных денег. Так случилось с наброском «Головы музы». Сумма в 47,3 миллиона долларов, за которую был продан эскиз, стала абсолютным мировым рекордом для рисунков. До момента продажи «Головы музы» самыми дорогими рисунками были «Лошадь и всадник» и «Воскресший Христос» Леонардо да Винчи: две эти работы коллекционер приобрел за 16 миллионов долларов.

В нежном очерке женского лица угадываются знаменитые мадонны великого Рафаэля. Теперь можно лишь гадать, для какого неосуществленного шедевра мастером был сделан этот чарующий набросок.

Популярность аукционов живописи растет с каждым годом, и увеличивается цена на подлинные произведения искусства эпохи Возрождения. Тщательно сохраняемые картины неподвластны времени, и это роднит «золотые шедевры» и само золото. В США и странах Европы инвестиции в произведения искусства считаются самыми надежными, хотя, конечно, позволить себе их могут только очень богатые люди.

«В последние годы работы старых мастеров снова привлекают внимание, и поэтому люди действительно чувствуют уверенность, выставляя сейчас на продажу такие работы» (Пол Рэйсон).

Уильям Тернер - СОВРЕМЕННЫЙ РИМ - КАМПО ВАЧЧИНО

«Современный Рим - Кампо Ваччино» - одна из самых значительных работ знаменитого английского художника-пейзажиста, когда-либо выставлявшихся на открытые торги. Шесть претендентов-покупателей соперничали за этот шедевр, и полотно ушло с молотка, установив новый рекорд цены.

«Современный Рим» - одно из последних изображений «Вечного города», сделанных Тернером во время его визитов в итальянскую столицу. Это монументальное полотно, написанное мастером в расцвете своего творчества, обращает внимание отсутствием лишних деталей и мягким колоритом. Новый тип пейзажа, предложенный Тернером и затем прославивший его, раскрывал переживания и воспоминания живописца.

Природа равнодушно взирает на человека и плоды его трудов: античные руины в окрестностях Рима так же тленны, как и люди, утомленные своими повседневными заботами. Лишь холмы, на которых стоит «Вечный город», и пышная южная природа остаются вечными и неизменными...

Тернера изображать свет предвосхищает манеру первых французских импрессионистов. Так, через целое столетие, происходит плодотворный творческий диалог поколений...

«Мы нуждаемся в художнике даже в минуту величайшего счастья и величайшей беды» (Иоганн Вольфганг Гете).

Винсент Ван Гог - КРЕСТЬЯНКА В СОЛОМЕННОЙ ШЛЯПЕ

Картина написана художником в Овере в 1890 году. На ней изображена в три четверти фигура молодой девушки, застывшая среди кукурузных початков. Щеки крестьянки горят, и этот цвет застенчивости словно отражают маки, которые составляют фон полотна. Свободный синий цвет блузы девушки, усыпанной оранжевыми крапинками, контрастирует с теплыми тонами, в которых написана кукуруза, и цветом передника девушки. Натруженные руки молодой крестьянки лежат на коленях. Золотистая шляпа с широкими полями и зеленой лентой увенчивает голову крестьянки, отбрасывая оранжевую тень.

Картина написана в относительно спокойный период творчества художника. Из переписки Ван Гога с братом мы узнаем о простых житейских подробностях и творческих замыслах мастера в тот период. Люди труда и живописные окрестности провинциального городка дарили художнику минуты истинного вдохновения...

«Я хотел бы писать портреты, которые и через сто лет будут казаться откровением людям того времени. Я пытаюсь достичь этого не фотографическим сходством, а путем беспристрастного наблюдения, используя как средство выражения и усиления характеров нашу науку и наш современный вкус к цвету» (Винсент Ван Гог).

Анри Матисс - НАРЦИССЫ И СКАТЕРТЬ В СИНИХ И РОЗОВЫХ ТОНАХ

Эта картина была продана за рекордную сумму - полотна Анри Матисса еще никогда не оценивались столь высоко. «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» знамениты еще и тем, что долгие годы украшали коллекцию знаменитого модельера Ива Сен-Лорана. После смерти кутюрье вся его коллекция была выставлена на торги.

В своих работах Матисс старался передать эмоции через форму и цвет. «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» - тому подтверждение. Яркие цвета и упрощенная форма позволили художнику передать особое ощущение от обыденного натюрморта. Матисс умел делать любую, даже самую простую вещь прекрасной, и в этом его вклад в сокровищницу мировой живописи. Но форма вещей становилась тесна для гения, и мастер раздвигал границы пространства, как бы уходящего за раму картины. Чередуя натуральные и искусственные краски, Матисс добился той насыщенности цвета полотен, которая стала визитной карточкой всего его творчества.

«Не надо особенно бояться приписывать художникам прошлого тот идеал, которого они никогда не имели. Восхищение невозможно без примеси иллюзии, и понимать совершенное произведение искусства - значит в общем заново создавать его в своем внутреннем мире» (Анатоль Франс).

Фрэнсис Бэкон - ЭТЮД БОЯ БЫКОВ № 1

.Художник-экспрессионист Фрэнсис Бэкон приобрел успех благодаря своему таланту демонстрировать трагедию существования. Он выбрал для этого подходящий творческий метод: подчиненное внутреннему ритму, полное контрастов и дисонансов, творчество этого английского художника имеет множество поклонников по всему миру.

Полотно «Этюд боя быков № 1» отличается очень сочным колоритом, оно очень декоративно. Мастер деформирует предметы, чтобы добиться непревзойденного драматического эффекта. В едином цветовом вихре переплелись бык и тореадор. Условно намеченный ярко-желтый барьер и зеленовато-бурый песок призваны оттенить буйство красок центральных фигур. Это картина-импровизация, полная случайных моментов, выписанная на грани художественного риска. Все пространство полотна подчинено общей идее: показать мгновенность событий в их единстве и смертельной борьбе...

Не все понимали живопись Бэкона: так, небезызвестная Маргарет Тэтчер назвала его «человеком, который рисует ужасающие картины». Как показали успешные аукционные торги, точку зрения бывшего британского политика разделяют не все...

«Подлинными художниками являются те, которые начинают с того места, на котором закончили их предшественники» (Гюстав Кур бе).

Рой Лихтенштейн - СПЯЩАЯ ДЕВУШКА

Эта картина поставила рекорд цены для произведений художника, который сейчас находится на пике своей посмертной популярности. «Спящая девушка» входит в серию картин, созданных в стиле комикса, над которой Лихтенштейн работал в 60-х годах XX века. Лишь раз эта картина была показана публике в 1990-м году, хранясь в частной закрытой коллекции.

Лихтенштейн намеренно обедняет изображение - так, чтобы оно напоминало страничку из дешевого комикса или кадр из голливудского фильма. В отличие от двух других картин художника, представленных в этой книге, «Спящая девушка» не имеет подписи, что дает простор зрительским догадкам: это может быть как начало какой-то истории, так и ее конец.

Работы художника настолько своеобразны, что мгновенно запоминаются и быстро узнаются - это еще один из рецептов, по которым творят мастера поп-арта.

Внимание коллекционеров к этому противоречивому жанру может показаться странным, но все сомнения в подлинной художественности работ Лихтенштейна мгновенно улетучиваются, стоит еще раз взглянуть на цену, за которую «Спящая девушка» ушла с молотка на аукционе...

«Все бралось мною живьем, еще трепещущим, и прикреплялось к холсту, как прикрепляют насекомых в коллекции» (Казимир Малевич).

Густав Климт - ЦЕРКОВЬ В КАССОНЕ

Эта картина была раскритикована современниками художника - впрочем, Климту было не привыкать: его популярность к тому времени говорила сама за себя. Он уже совершил творческие поездки в Рим, Флоренцию, Париж, Лондон, Брюссель, где его работы были восприняты с восторгом и пониманием.

Старинная церковь в провинциальном Кассоне привлекла внимание Климта, тяготевшего к изображению медитативных пейзажей. Над постройкой, имеющей вид романской базилики, возвышается колокольня с красной крышей. Здание стоит над озером, рождая причудливые отражения на воде. Композиция картины уравновешена пышными кронами кипарисов, окружающих церковь. В таких тихих пейзажах - весь Климт, выдающийся художник, с которого берет отсчет новое искусство XX века. Здесь не найти и следа человека: отчужденной и торжественной в своем красочном одиночестве выглядит «Церковь в Кассоне».

Несмотря на обилие фактов, личность художника Густава Климта во многом остается загадкой для потомков. Он не вел дневника, а вместо писем предпочитал посылать открытки. Сам мастер советовал просто смотреть на его картины, не ища в них скрытого смысла: Климт искренне считал, что в его личности и творчестве нет ничего особенного...

«Твои дела и твое искусство не могут нравиться всем: делай, что считаешь правильным, для блага немногих. Нравиться слишком многим - плохо» (Густав Климт).

Рой Лихтенштейн - Я МОГУ ВИДЕТЬ ВСЮ КОМНАТУ... ТАМ НИКОГО НЕТ!

Эта картина - один из самых ранних и наиболее выдающихся образцов поп-арта, течения в искусстве, использующего образы массовой культуры - кино, комикса. До недавнего времени она находилась в легендарной частной коллекции Тремейн и неоднократно выставлялась. Полотно служит примером остроумия, отличающего лучшие работы Лихтенштейна, исследующего различные подходы к искусству с использованием популярных образов.

На картине, носящей это странное название, изображено лицо мужчины, который через дверной глазок заглядывает в пространство, безраздельно принадлежащее зрителю. Парадокс картины в том, что подпись на полотне, гласящая «там никого нет», как бы отказывает зрителю в существовании либо делает его совершенно невидимым. Образ для этой работы художник позаимствовал из комикса под названием «Стив Роупер», причем автор комикса счел себя весьма польщенным.

Картина Лихтенштейна считается поворотной для всего мирового поп-арта. Промышленное производство произведений искусства, основанных на общеизвестных образах, является теперь доходным и респектабельным занятием...

«Все, что ты можешь вообразить - реально» (Пабло Пикассо).

Рой Лихтенштейн - ОХ... НУ ХОРОШО...

Тому, кто уже знаком с творчеством Роя Лихтенштейна, эта работа покажется вполне соответствующей его творческой манере. Образ на картине взят из комикса «Тайные сердца» и был назван одним из выдающихся образцов творчества художника.

Согласно принципу комикса, реплика персонажа неотделима от его изображения. В оригинале девушка говорила в телефонную трубку: «Прости, Нэнси, но я не смогу прийти на свидание. У меня важная деловая встреча». «Вручив» героине картины другую реплику, Лихтенштейн дает теряющемуся в догадках зрителю возможность на свой вкус интерпретировать смысл этой фразы. Так зритель становится соавтором художника - и это еще один основополагающий принцип поп-арта, дающий огромные права «потребителю» «массового искусства».

Сам Лихтенштейн оценивал свое творчество весьма скромно, но уже в 60-е годы XX века его работы были широко известны не только в США, но и в Европе, и выставлялись в Амстердаме, Лондоне и Берне. Рой Лихтенштейн вместе с Энди Уорхолом, Джаспером Джонсом и Клиффордом Стиллом входит в четверку популярнейших американских художников XX века с максимальной аукционной стоимостью работ.

«Мне кажется, что мои работы отличаются от того, что рисуют в комиксах, но я бы не назвал эти отличия революционными. Не думаю, что их значение, каким бы оно ни было, важно с точки зрения искусства» (Рой Лихтенштейн).

Пабло Пикассо - ЧТЕНИЕ

На торгах аукционного дома «Сотбис» продажная стоимость этой работы в два раза превысила первоначальную стоимость лота. Борьбу за картину Пикассо вели семь участников аукциона. В итоге картину купил инкогнито американский коллекционер, принимавший участие в торгах заочно - по телефону. Эти торги означали еще одну победу великого художника над безжалостным временем и быстротечной художественной модой.

На картине, написанной Пикассо в 1932 году в традиционной для того периода творчества художника технике, изображена Мария-Тереза Вальтер, с которой мастер познакомился в Париже. Она была профессиональной натурщицей художника, а также очередной любовницей неутомимого Пикассо. Мария-Тереза подарила художнику дочь Майю и вдохновила на создание выдающихся живописных работ. Обращает на себя внимание оригинальное цветовое и композиционное решение полотна: струящиеся динамичные формы модели подчеркивают статичность кресла, в котором расположилась модель. Книга, от которой на мгновение отвлеклась женщина, - центр и завершение картины. В облике модели переплелись мечтательность и чувственность. Это сон во сне - чтение порождает грезы и заставляет покинуть обыденный мир, отбросив его тяготящие душу правила и условности...

«Читая книги, равно как и смотря картины, нельзя ни сомневаться, ни колебаться: надо быть уверенным в себе и находить прекрасным то, что прекрасно» (Винсент Ван Гог).

Пабло Пикассо - В КАБАРЕ «ЛАПИН АГИЛЬ» (АРЛЕКИН С БОКАЛОМ)

Эта картина относится к «розовому периоду» творчества великого художника. Большинство этих картин имеют светлый колорит, на них появляются жемчужно-серые, охристые и розово-красные тона. Доминирующими становятся новые темы и персонажи - цирк, уличный театр и его герои - актеры, акробаты, атлеты. Театральность во многих ее проявлениях (костюмы, акцентированные жесты), разнообразие типов людей, прекрасных и безобразных, юных и взрослых, вернули Пикассо в мир преображенных, но реальных персонажей, форм, объемов. Его образы вновь наполнились жизнью.

На картине мы видим Арлекина - а точнее, актера в костюме Арлекина. Он улучил минуту отдыха, чтобы отдохнуть от своей непростой работы. В его бокале вино, только Арлекину невесело: тот, кто по долгу службы должен веселить публику, устал от цирковой пестроты, оглушительной музыки и несмолкающего грома аплодисментов...

«Чтобы сделать, необходимо верить! Может тот, кто считает, что может, а не может тот, кто считает, что не может... Задавайте правильные вопросы! Другие увидели то, что было, и спросили, почему. Я увидел то, что могло бы быть, и спросил, почему бы нет... Не судите, и увидите скрытую красоту!.. Еще не слишком поздно! У юности нет возраста» (Пабло Пикассо).

Винсент Ван Гог - ПОДСОЛНУХИ

Эта картина - визитная карточка знаменитого художника, один из самых узнаваемых образов в живописи нового времени. «Солнечному цветку» Ван Гог посвятил целую серию полотен, написанных в 1888 году. Первоначально мастер намеревался украсить этими картинами мастерскую в «Желтом доме» (лечебнице для психически больных) в Арле, где лечился сам. Позже Ван Гог решил повесить «Подсолнухи» в гостиной, готовясь к приезду великого Поля Гогена, прибытия которого в Арль ожидал с большим нетерпением.

Ван Гот уделяет минимум внимания интерьеру, в котором находится букет: все его внимание сосредоточено на самих цветах. Хотя желтый фон выглядит плоским, его одноцветная поверхность имеет необычную фактуру: пересекающиеся горизонтальные и вертикальные мазки создают впечатление циновки или плетеной корзины. Цвета вазы повторяют цвета фона, но в обратном порядке. Подсолнухи, впитавшие солнечный свет, будто парят в воздухе, напоминая зрителю о знойном лете и счастливой поре богатого урожая.

«Подсолнух - это мое счастливое растение, в известном смысле... Этот цветок имеет для меня особое значение: желтый цвет олицетворяет дружбу и надежду, в то время как цветок сам по себе представляется идеей, символизирующей признательность и благодарность» (Винсент Ван Гог).

Поль Гоген - ЧЕЛОВЕК С ТОПОРОМ

«Человек с топором» - одно из первых произведений из цикла картин, созданных Гогеном на острове Таити. Картина открывает талант художника с помощью ярких «открытых» цветов передавать реалистичность пейзажа и человека. Художник сочетал, казалось бы, несочетаемые цвета, сумев придать им непостижимую гармонию. Здесь нет искусственности и заигрывания со зрителем: именно такой была реальность Гогена. Уравновешивает картину особый художественный прием, мастерски использованный живописцем: «открытые» цвета фона образуют горизонтальные линии, а фигура мужчины расположена вертикально. С локальными красочными пятнами контрастирует пестрая одежда.

Потен был художником-самоучкой, которого не баловала жизнь и недооценивали близкие люди. Только на Таити, острове тогда мало известном европейцам, художник нашел свое настоящее вдохновение и свой последний приют. Обширный цикл его таитянских картин - это гимн красоте человека, живущего в гармонии с тропической природой, прекрасной, как сон.

«Поль Гоген - художник незаурядный, волнующий... Потребность в тишине, в сосредоточенности, в полном уединении гонит его теперь на Таити, где природа больше соответствует его мечте... Но куда бы ни уехал Поль Гоген, он может быть уверен в том, что увезет с собой наше глубокое почтение» ( Октав Мирбо).

Густав Климт - БЕРЕЗОВЫЙ ЛЕС

Эта характерная для живописной манеры Климта картина радует глаз зрителя не только гармонично подобранными тонами осеннего леса, но и необычной авторской точкой зрения. Мастер делает свое полотно как бы подвижным: мы наблюдаем за этим обыденным, по сути, пейзажем с чувством свершающегося на наших глазах чуда. В картинах Климта всегда заметны две противоборствующие силы: желание абсолютной свободы в изображении предметов и неизменная форма вещей, что нередко делает полотна Климта похожими на орнамент. По силе восприятия природы найдется мало равных знаменитому уроженцу Вены. Основное внимание мастер уделяет краскам и фактуре древесных стволов и опавших листьев, устилающих землю. Климт с тщательностью, слой за слоем, выписывает их разнообразными оттенками красного, оранжевого, желтого и коричневого.

Картине «Березовый лес» присуща особая символика: он пытается выразить идеальный недостижимый мир, который выше реальности и неподвластен времени. Неудивительно, что Климт стал автором шедевров и в «параллельном» жанре: он создал ряд мозаичных фресок в богатом особняке в Брюсселе, которые и сегодня являются образцом безукоризненного стиля и орнаментального совершенства.

«Живописец, бессмысленно срисовывающий, руководствуясь практикой и суждением глаза, подобен зеркалу, которое отражает все противопоставленные ему предметы не обладая знанием их» (Леонардо да Винчи).

Василий Кандинский - КОМПОЗИЦИЯ № 5

Русский живописец, график, теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Период его творческой активности пришелся на начало XX века, когда многие художники кардинально пересматривали свое отношение к «искусству прошлого».

Кандинскому принадлежит открытие «ритмического цвета» в живописи - приема, который он успешно использует в «Композиции № 5». Подчеркнуто будничное, констатирующее название картины призывает зрителя сосредоточиться на самом полотне. Цвет и форма здесь возведены Кандинским в абсолют: каждая геометрическая фигура получает у него собственное «звучание», собственный цвет и оттенок. Кажется, само пространство диктует художнику каждый следующий мазок - несомненное эмоциональное воздействие «Композиции № 5» на зрителя иррационально. Эта живопись как бы напрямую обращается к генетической при памяти человека...

«Абстрактное искусство создает рядом с «реальным» новый мир, с виду ничего общего не имеющий с «действительностью». Внутри он подчиняется общим законам «космического мира». Так, рядом с «миром природы» появляется новый «мир искусства» - очень реальный, конкретный мир. Поэтому я предпочитаю так называемое «абстрактное искусство» называть конкретным искусством» » (Василий Кандинский).

Эдвард Мунк - ВАМПИР

Эдвард Мунк - важнейшая фигура в европейской живописи конца XIX - начала XX века. Он стоял у истоков экспрессионизма - течения в живописи, представители которого отказались от воспроизведения действительности в пользу передачи эмоционального состояния автора.

Живописные работы Мунка объединяет тема любви, страха, отчаяния и смерти. Таков «Вампир» -известное произведение мастера. Женственность как воплощение вампиризма - вот идея картины Мунка. Женщина склоняется над человеком, который, выглядит беспомощным и пассивным; она готова к смертельному укусу. Ее свободно спадающие волосы напоминают потоки крови - это цветовой центр темной, полной затаенного ужаса картины. Мы становимся свидетелями любви, превратившейся в ужас, любви, которая похожа на дурной сон.

«Вампир» Мунка далек от дешевых эффектов, рассчитанных на невзыскательного зрителя: гнетущее впечатление от его полотна порождается лишь поразительным сочетанием красок, линий и форм.

Всю жизнь боровшийся с болезнями Мунк видел мир лишь как вместилище страданий, и это придавало его картинам особый мрачный колорит.

«Начинающего художника понимают лишь несколько человек. Знаменитого - еще меньше» (Пабло Пикассо).

Эрнст Людвиг Кирхнер - УЛИЧНАЯ CЦEHKA В БЕРЛИНЕ

Кирхнер - один из основоположников немецкого экспрессионизма. В 1905 году вместе с друзьями-художниками он основал творческое объединение «Мост», чьи работы значительно повлияли на развитие живописи в Европе. Позднее художник сосредоточился на изображении видов города и уличных сцен. На картине мы видим выхваченные из берлинской толпы типы, которые Кирхнер изображает с гротескной выразительностью. Мы легко узнаем уличную женщину, щеголя, жулика. Стиснутое пространство полотна усиливает ощущение толчеи, сутолоки, а угловатые контуры фигур подчеркивают стремительный ритм городской жизни.

Городская архитектура деформирована, она обрисована как бы торопливо, поспешно - это одна из характерных черт, присущих экспрессионизму. Напряженность внутренней жизни персонажей сценки подчеркивается резкими изгибами форм, темпераментными мазками, участками яркого «форсированного» цвета. Картина выглядит очень лаконично и динамично.

В 30-м годам XX века Кирхнер добился признания и успеха, но к власти пришли нацисты. Сотни работ мастера были конфискованы в порядке борьбы с «дегенеративным искусством». Охваченный отчаянием и безверием, Кирхнер покончил с собой.

«Горе тому художнику, который стремится показать свой талант, а не свою картину» (Ромен Роллан).

Эдгар Лега - ОТДЫХАЮЩАЯ ТАНЦОВЩИЦА

В прошлый раз «Отдыхающая танцовщица» выставлялась на торги в 1999 году, и тогда ее приобрели за 28 миллионов долларов. Последняя покупка этой картины установила рекорд стоимости для произведений Дега, когда-либо выставлявшихся на открытом аукционе.

Картина выполнена не масляными красками, как обычно создаются живописные работы, а гуашью и пастелью, что придает полотну особый колорит. Как и другие произведения Дега, «Отдыхающая танцовщица» напоминает остановленный кадр из фильма: композиция здесь подчеркнуто фрагментарна, это мгновенный слепок реальности. Мастер намеренно отказывается от изображения интерьера, сосредоточиваясь на фигуре сидящей девушки. Она утомлена, и трудно поверить, что еще несколько минут назад танцовщица порхала по сцене, срывая бурные овации зрителей. В действительности, за кажущейся спонтанностью композиций Дега всегда скрывается точный расчет большого мастера. По словам Эдмона Гонкура, Дега был человеком, который сумел «уловить душу современности».

«Живопись должна быть поставлена выше всякой деятельности, ибо она содержит все формы, как существующие, так и не существующие в природе... Ею сохраняют красоты, которые время и природа делают быстротечными...» (Леонардо да Винчи).

Ив Кляйн - ОГОНЬ-ЦВЕТ

Кляйн - французский художник-новатор. Его считают наиболее значительной фигурой в послевоенном европейском искусстве. Работа «Огонь-Цвет» считается культовой: она выполнена в запатентованном художником синем цвете и обожжена огнем. Это произведение, созданное художником всего за несколько недель до смерти, считается одной из вершин его творчества.

Кляйн называл свои картины «антропометриями», и создавались они весьма необычным способом: обнаженные натурщицы наносили на тело краску, затем прижимались к холсту, создавая некое изображение. «За цвет - против линии и рисунка!» - такой девиз провозгласил Ив Кляйн.

Эксперименты с техникой «живых кистей» вызвали неоднозначную реакцию в художественном мире. Выставка работ Кляйна в лондонской «Галерее Один» вызвала бурные споры, которые исправно подогревались около художественной прессой. Однако мастеру, склонному к эпатажу, эта шумиха пошла только на пользу. Позднее художник стал использовать еще один стихийный элемент - огонь; окончательная отделка полотна проводилась с помощью газовой горелки. Именно этот удивительный эффект мы видим на картине «Огонь-Цвет». Авангардное искусство манит своей головокружительной глубиной и недосказанностью.

«Художник - это человек, который пишет то, что можно продать. А хороший художник - это человек, который продает то, что пишет» (Пабло Пикассо).

Лоуренс Альма-Тадема - В ПОИСКАХ МОИСЕЯ

Сэр Лоуренс Альма-Тадема мало известен в нашей стране, хотя у себя на родине в Британии он является одним из известнейших и любимейших живописцев XIX века, писавших картины на мифологические и исторические сюжеты. Рыцарское звание художнику было присвоено за точность отображения реалий давно ушедших эпох. Современникам очень льстило то, что, изображая исторических персонажей, мастер придавал им характерные черты британцев, ведь последние любили сравнивать себя с древними римлянами. Время изменило отношение критиков к полотнам Альма-Тадема, но все же их размеренность, пластичность, подчеркнутая эстетичность и сегодня привлекают зрителей во всем мире.

Картина «В поисках Моисея» отсылает нас к работам французских академистов и предвосхищает открытия прерафаэлитов и модернистов. В центре композиции - парадные носилки, на которых путешествует дочь фараона. Подчеркнуто празднично выглядит свита принцессы. Прекрасные служанки несут колыбель, где лежит малютка Моисей, которому суждено изменить историю человечества. Дочь фараона нежно глядит на загадочного найденыша. Толпы народа на другом берегу Нила приветствуют процессию - подданные госпожи тоже рады чудесной находке. Композиция картины статична, спокойна, а каждая из фигур требует неспешного детального рассмотрения...

«Единственный способ выразить свою признательность художнику - это купить его картину» (Пьер Огюст Ренуар).

Якопо Понтормо - ПОРТРЕТ КОЗИМО ПЕРВОГО МЕДИЧИ

Еще один шедевр эпохи Возрождения нашел своего нового владельца. Для аукциона «Кристис» появление на торгах такой выдающейся работы несомненно явилось важным событием. По своей художественной и исторической ценности полотна Понтормо несколько уступают творениям Леонардо или Рафаэля, но тем не менее всегда остаются в первом ряду самых востребованных и ценимых знатоками картин.

В 1530 -х годах к власти во Флоренции, родном городе Понтормо, пришел Козимо Первый Медичи, герцог Флорентийский и Тосканский. Он превратил некогда слабый город-государство в самодержавное княжество. Медичи, как и другие представители его славного рода, был покровителем искусств. Понтормо часто получал от герцога крупные заказы. Одним из таких заказов стал этот портрет. Выразительная манера письма и особый колорит делают картину очень узнаваемой. Мы видим Козимо Медичи в парадном платье, опирающимся на посох. Его лицо еще хранит юношескую мягкость, но резко очерченный рот уже позволяет угадать в молодом человеке будущего властителя...

«Ни один художник не бывает художником изо дня в день, все двадцать четыре часа в сутки; все истинное непреходящее, что ему удается создать, он создает лишь в немногие и редкие минуты вдохновения» (Стефан Цвейг).

Жорж Пьер Сера - ПЕЙЗАЖ

Сера создал новую манеру письма - так называемый пуантилизм, в основе которого лежат мазки правильной формы, точечные или прямоугольные. Главный принцип его живописи - полный отказ от физического смешения красок ради создания каких-либо оптических эффектов.

Луантилизм - «младший брат» импрессионизма, также допускавший свободное манипулирование цветовыми и световыми эффектами. Зрителю, впервые знакомящемуся с полотнами Сера, приходится сразу же наталкиваться взглядом как бы на решетку многоцветных мазков. Но при достаточном удалении образ сливается и становится хорошо различимым во всем своем фантастическом совершенстве. На теории разложения цветов и электронной аналогии метода Жоржа Сера основана работа современного растрового дисплея. Так художник на несколько десятков лет предвосхитил развитие науки и техники!

Сера характерны рациональное построение композиции, яркая, словно мерцающая, цветовая гамма, тяготение к единой орнаментальной плоскости.

Шедевр выдающегося французского мастера демонстрирует еще один неординарный подход к решению визуальных задач, стоящих перед живописью.

«Искусство - ложь, которая делает нас способными осознать правду» (Пабло Пикассо).

Поль Сезанн - НАТЮРМОРТ С ГОРШОЧКОМ ИМБИРЯ И СЛАДКИМИ ЯБЛОКАМИ

Эта небольшая картина размерами 65,5 х 81,5см давно покорила сердца поклонников Сезанна. Современники считали художника если не сумасшедшим, то сильно отклонившимся от требований здравого смысла. Никто до Сезанна так близко не сталкивал человека с непокорной мощью материального мира. Обычно в его натюрмортах композиция и само пространство как бы наклоняются, выгибаясь из глубины картины к зрителю. Кажется, еще мгновение, и расположенные на наклонной плоскости стола предметы соскользнут вниз, и первозданная энергия материи будет наконец освобождена. Все это вселяет в душу восхищенного зрителя смущение и тревогу: такой привычный мир, казавшийся очень прочным, вдруг оборачивается совсем незнакомой человеку стороной.

Цвет для Сезанна - не просто окраска предмета. Это выражение глубинной сущности формы, силы жизни художественной материи, степени ее «густоты» и «активности». Чем «сильнее» форма, тем ярче цвет. Воплощение этих принципов мы видим на картине «Натюрморт с горшочком имбиря и сладкими яблоками».

«Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра; надо учиться писать в этих простых фигурах, и если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все, что захотите» (Поль Сезанн).

Рембрандт - ПОРТРЕТ ПОДБОЧЕНИВШЕГОСЯ МУЖЧИНЫ

«Мы были рады выставить эту картину на аукцион впервые за сорок лет, и вырученная цена свидетельствует о важности и притягательности картины», - сказал один из руководителей аукционного дома «Кристис» Ричард Найт. Шедевр Рембрандта совершил предпродажную поездку и был представлен, в частности, в Москве. На аукционе великий художник побил свой прежний рекорд цены. Несколько десятилетий хранившаяся в частном собрании картина вызвала бурный ажиотаж у ценителей живописи.

О Рембрандте говорят, что он первым сумел воплотить в своих работах всю гамму человеческих характеров и переживаний. В начале карьеры портретная живопись принесла художнику благосостояние, и к этому жанру он обращался в течение всей жизни.

Специалистов аукционных домов издавна существует проблема авторства Рембрандта. Дело в том, что у мастера было множество учеников, перенявших его манеру или писавших под прямым руководством Рембрандта. О «Портрете подбоченившегося мужчины» доподлинно известно, что он целиком принадлежит кисти великого мастера. Цена шедевра велика, если это настоящий шедевр...

«Искусство долго, а жизнь коротка, и нам надо набраться терпения, если мы хотим подороже продать свою шкуру» (Винсент Ван Гог).

Фрэнсис Бэкон - АВТОПОРТРЕТ

«Автопортрет» - творческий прорыв знаменитого английского мастера. Если вспомнить, что любимым художником Бэкона был Пикассо, то все встанет на свои места. Фрэнсис решил запечатлеть себя словно отразившимся в кривом зеркале. Пространство, играющее красками и формами, становится преградой для взгляда. Мы видим внешнее воплощение мучительных размышлений мастера над природой прекрасного. И, как ни странно, зрителю не кажутся неуместными искажения привычных линий: они - часть авторского замысла.

Предельное выражение эмоций стало «фирменным знаком» Бэкона. Даже автопортрету мастер сумел придать черты подлинного трагизма. Художник намеренно лишил себя «лица», то есть возможности видеть, слышать, говорить, дышать. Это напоминает об одиночестве и заброшенности современного человека во враждебном неуютном мире.

Бэкон продолжает традицию карнавального искажения реальности, сложившуюся еще в средние века. Только благодаря волевому и эстетическому усилию человек может вновь обрести свое истинное «Я». Многие полотна Бэкона находятся в частных собраниях, чье местопребывание не разглашается. У состоятельных ценителей современной живописи есть свои причуды...

«Я считаю себя ловцом изображений. Аля меня изображение важнее красоты живописи... Я - это посредник выразительности на службе происшествия и случая» (Фрэнсис Бэкон).

Густав Климт - ЯБЛОНЯ I

Художник жил очень скромно. За границу он выезжал всего несколько раз в жизни, да и то на короткое время. Большую часть времени Климт проводил в Вене, покидая ее лишь ради нескольких недель летнего отдыха на любимом художником озере Аттерзее, что в Австрийских Альпах. Он не интересовался политикой, жил в доме матери и каждую минуту посвящал любимой работе.

Мотив яблони встречается у Густава Климта неоднократно. В ранней картине «Позолоченная яблоня» дерево выглядит прежде всего декоративно; в 1912 году была создана легкая, будто трепещущая на ветру «Яблоня I».

Яблоня Климта усыпана спелыми плодами. Худояшик отдает пышной кроне почти все пространство холста, подчеркивая самодостаточность природы и ее первозданную мощь. Здесь еще сложно заметить, что Климт готов разочароваться в своем творчестве. Его начинает привлекать мотив зрелости, свершений, приближения осени...

Климт предчувствовал конец своего жизненного пути. В 1918 году в истощенной войной Вене он скончался от пневмонии, создав за отпущенные ему судьбой полвека полотна, которые подарили мастеру бессмертие в сердцах поклонников живописи...

«Во время работы, я чувствую себя пробкой, которую несет по волнам, и мне остается лишь отдаться на их волю» (Пьер Огюст Ренуар).

Фрэнсис Бэкон - ПОРТРЕТ ГЕНРИЕТТЫ МОРАЕС

Бэкон рисовал картины сериями, спонтанно, повинуясь некоей художественной цели, которая, по его словам, диктовала ему развитие событий, неведомое самому автору. Иногда мастер даже страдал от того, что картины, казалось, «рисовали» себя сами, будто без его участия. Он не мог прервать серию, пока живописная реальность не воплощалась на полотне согласно собственным законам. Бэкон не мог работать, когда его модель находилась в студии - по его собственному выражению, он начинал тогда нервничать. Художник делал с модели поспешные наброски, а заканчивал писать по предварительно сделанным фотографиям.

Генриетта Мораес была близкой подругой художника. Несколько фотографий обнаженной Генриетты послужили источником вдохновения для Бэкона, сделавшего ряд ее живописных изображений.

Этот портрет впервые появился на открытых торгах. По словам прежнего владельца картины, он хотел проверить реакцию рынка на полотно высококлассного современного художника. Судя по финальной цене полотна, эта реакция оказалась благоприятной...

«Собственная незаинтересованность Бэкона в обнаженной женской натуре нисколько не повлияла на его работы, которые выходили столь же страстными, как и изображения волновавших художника обнаженных мужских тел» (Дэвид Сильвестер).

Густав Климт - ЗАМОК КАММЕР НА ОЗЕРЕ АТТЕРЗЕЕ

Климт начинал как художник-декоратор, и умение мастера по-особому видеть пространство заметно на этой картине. Мастер предпочитал плоскость и незатененные поверхности, прозрачные цвета и формы, извилистые линии. Образы Климта сложны: на картине главную роль играет отражение старинных зданий в стоячей воде.

Сеточки зрения цветового решения, «Замок Каммер на озере Аттерзее» - настоящий шедевр. Всмотритесь в озерную гладь: художник почти с фотографической точностью воспроизводит оптические эффекты солнечного летнего дня. Полотно действительно чем-то напоминает изысканную театральную декорацию. В отличие от других работ Климта, в этом пейзаже, кажется, ничто не может измениться. Мастер нарочно отдал все пространство полотна земле и воде: небо отмечено лишь клочком голубого цвета с плывущими по нему облачками. Небесное слишком изменчиво, зато земное незыблемо - оно давно и прочно стоит на своих привычных местах.

Так Густав Климт утверждает красоту повседневности, увиденной восхищенным взглядом творца-ребенка.

«Художник - вместилище эмоций, которые приходят отовсюду: с небес, от земли, от шуршания бумаги, от мимолетных форм, от паутины» (Пабло Пикассо).

Пабло Пикассо - ЖЕНЩИНА, СИДЯЩАЯ В КРЕСЛЕ

Ряд, полотен Пикассо, занимающих первые строчки в рейтингах продаж, кажется бесконечным. «Женщина, сидящая в кресле» - шедевр зрелого художника. Написанная в модной в 20-е годы XX века манере сюрреализма, картина поражает зрителя. Трансформация образа достигает здесь своего предела: угадывающиеся детали немедленно скрываются за цветовыми пятнами; полнота красок, напряжение «силовых линий» полотна дают живой и неповторимый шокирующий эффект, присущий абстрактному искусству. Лукавый мастер Пикассо как раз и предполагал подобный эффект от своих работ.

Появление «нефигуративной живописи» в начале XX века обрушилось на публику наподобие горной лавины и вызвало ожесточенные споры. Сегодня кажутся странным споры о «допустимости» подобной живописи.

Необычные картины прочно занимают свое место в картинных галереях, музеях и частных коллекциях, требуя от современного любителя искусства оставить за порогом обыденные представления о правдоподобии и наслаждаться картинами, освобожденными от шелухи повседневности...

«Всегда требуют, чтобы искусство было понятно, но никогда не требуют от себя приспособить свою голову к пониманию» (Казимир Малевич).

Пабло Пикассо - СИДЯЩАЯ ЖЕНЩИНА В СИНЕМ ПЛАТЬЕ

Статистика свидетельствует, что в последние годы оборот крупнейших аукционных домов растет за счет произведений современного искусства. Картины бесспорных классиков, скажем, мастеров эпохи Возрождения, редко выставляются на открытые торги: они давно обрели свое постоянное место в музеях и частных собраниях. А вот картины темпераментного и плодовитого Пикассо, будто переняв натуру своего творца, кочуют с аукциона на аукцион, из коллекции в коллекцию. Работы самого востребованного в XXI веке художника продолжают способствовать росту прибылей торговцев живописью.

Картина написана в период страстного увлечения Пикассо абстрактным искусством. Модель предстает перед зрителем словно в кривом зеркале. В сидящей женщине даже посвященный не смог бы узнать ту самую Дору Маар, любовницу и музу великого испанца... Недаром когда-то имя Пабло Пикассо произносилось наравне с именами других великих первооткрывателей неизведанного - Альберта Эйнштейна и Чарли Чаплина.

«Не нужно забывать, что реальность двадцатого века отличалась от реальности века девятнадцатого. Пикассо был единственным художником, почувствовавшим это, в самом деле единственным... Матисс и остальные смотрели на двадцатый век, а видели то, что было в девятнадцатом...» (Гертруда Стайн).

Хуан Грис - СКРИПКА И ГИТАРА

Хуан Грис - один из основоположников кубизма, направления в живописи, которое характеризуется использованием подчеркнуто геометрических условных форм и стремлением «разбить» реальные объекты на элементарные фигуры. Дань модному кубизму отдали в свое время знаменитые Пабло Пикассо и Жорж; Брак. Само название «кубизм» возникло с легкой руки художественных критиков, назвавших полотна, написанные в этой манере, «кубическими причудами».

У/а картине мы видим скрипку и гитары, разделенные цветовыми плоскостями. Хуан Грис смело нарушает геометрию трехмерного мира, придавая изображенным объектам новое измерение. Строгие архитектурные элементы на картине справа только подчеркивают «взрыв форм» в центральной части композиции. Музыкальные инструменты помещены на подобии деревянного пола, украшенного изображением фрагмента гитарного грифа.

Художник сам очень любил эту картину. В свое время раставание со «Скрипкой и гитарой», похоже, далось ему нелегко.

Картины Хуана Гриса не впервые появляются на публичных торгах: полотно «Книга, трубка и стакан» было продано несколько лет назад за 20 миллионов долларов. Популярность картин в стиле кубизма непрерывно растет...

«Несчастье художника в том, что он живет и не совсем в монастыре, и не совсем в миру, причем его мучат соблазны и той и другой жизни» (Альбер Камю).

Густав Климт - ПОРТРЕТ РИА МУНК

Работы Климта часто называют модернистскими. Преодолевая штампы академического искусства, художник словно заново открывает линию и цвет. Модернисты создавали работы, которые помимо эстетического, имели и чисто практическое значение. Книжная графика, орнаментальное искусство, оформление интерьера в XX, да и в XXI веке буквально пронизаны идеями художников-новаторов.

Это последняя картина художника - Густав Климт умер, не успев завершить работу над ней. На холсте запечатлена Риа Мунк, дочь богатого жителя Вены, покончившая с собой из-за несчастной любви в двадцатилетнем возрасте. Портрет был написан по просьбе безутешной матери девушки. Судьба картины оказалась трагической: нацисты изъяли ее вместе с другими работами Мунка, и лишь чудом полотно уцелело.

Зыбкий силуэт девушки в обрамлении пышного декора напоминает о бренности человеческой жизни. Лишь тщательно выписанное лицо Риа Мунк напоминает о творящей силе любви и памяти. Словно из немыслимой дали смотрят на нас прекрасные глаза загадочной девушки.

«Искусство - это умение создать конструкцию, вытекающую не из взаимоотношений форм и цвета и не на основании эстетического вкуса красивости композиции построения, - а на основании веса, скорости и направления движения» (Казимир Малевич).

Эдгар Лега - ТАНЦОВЩИЦЫ У ПЕРЕКАААИНЫ

Живительны судьбы художников, и не менее удивительны судьбы живописных полотен... В шуршании шелков, мерцании бриллиантов и тонком аромате духов звучат слова: «Сорок тысяч, господа... Кто больше?» «Шестьдесят тысяч... Кто больше?» Наконец распорядитель торжественно объявляет: «Шестьдесят пять тысяч - раз... Шестьдесят пять тысяч - два... Шестьдесят пять тысяч - три! Господа, «Танцовщицы у перекладины» проданы!»

В самом углу аукционного зала сидит сгорбленный старик в потертом пальто. «Здесь Дега! Сам Дега!» - проносится шепот. Его поздравляют, но мастер лишь иронически улыбается: «Эту картину я недавно продал за триста франков... Да, господа, я лишь призовая лошадь, которая берет гран-при, но вынуждена довольствоваться мерой овса, которую ей насыплет наездник...»

«Танцовщицы у перекладины» - еще одна знаменитая работа Эдгара Дега. Мастерство художника изображать человеческое тело в движении достигает здесь совершенства. Изящные фигуры девушек в балетных пачках кажутся невесомыми, и поэтому все полотно, выполненное в характерных для Дега тонах, поражает зрителя необычайной легкостью...

«Подлинный художник лишен тщеславия, он слишком хорошо понимает, что искусство неисчерпаемо» (Людвиг ван Бетховен).

Эдуард Мане - СКАЧКИ В БУА-ДЕ-БОЛОНЬ

Сам художник очень любил эту картину. Равнодушный к скачкам, Мане однажды поддался уговорам не менее знаменитого живописца Эдуарда Дега, страстно любившего спорт, и отправился с ним на ипподром в Буа-де-Болонь. Пестрый вихрь соревнований, азартные болельщики, благородные формы стремительных коней впечатлили мастера. Так возникла картина «Скачки в Буа-де-Болонь» и несколько других живописных полотен на тему скачек.

Обратите внимание на широту панорамы этой картины. Художник стремился вместить в полотне всю широту своих впечатлений от этого завораживающего зрелища. Мы видим дальние холмы и контуры старинных построек, повозки, зрителей, размеченную для соревнований лужайку, и наконец, самих жокеев и скаковых лошадей. Всадники схвачены в момент движения: Мане удалось сделать как бы моментальное фото, слепок происходящего события.

«Прежде, чем я начну завоевывать официальные салоны, я должен отдать дань старым мастерам» - так любил говорить художник. В «Скачках в Буа-де-Болонь» цветовая палитра и построение композиции напоминают о лучших образцах старой европейской живописи.

«Что такое рисование? Это умение пробиться сквозь железную стену, которая стоит между тем, что ты чувствуешь, и тем, что ты умеешь» (Пабло Пикассо).

Хуан Миро - КАРТИНА-СТИХОТВОРЕНИЕ

Хуан Миро практически неизвестен отечественному любителю живописи. Этот испанский художник сказал веское слово в истории европейской живописи. Миро был близок к абстрактному искусству, отказавшемуся от привычных форм и ищущему новые пути. Лишь на первый взгляд его полотна кажутся набором бессвязных образов.

Это полотно напоминает лист пожелтевшей бумаги, испещренный цветными пятнами. Что же написано на «Картине - стихотворение»? «Тело моей брюнетки - как любовь... Я люблю ее, как кошку, умеющую есть зеленый салат...» Полный тонкой иронии, Миро явно эпатирует зрителя, застывшего в недоумении перед еще одной живописной загадкой...

«Когда смотришь на работающего Миро, его лицо, затем на линии, рождающиеся в процессе творчества, создается впечатление, что все освещается одним только чувством, одновременно сдержанным и интенсивным... Он захвачен своим порывом и мы уносимся вместе с ним в его порыв и его взлет... Каждое из произведений Миро - это танцующий сад, поющий хор, опер а расцвеченная цветами, рождающимися в лучах света. Это мир - одновременно мимолетный и в то же время совершенно реальный. Сочность красок придает ему соответствующий акцент, содержательную выразительность» (Эжен Ионеско).

Густав Климт - СЕЛЬСКИЙ ДОМ В АТТЕРЗЕЕ

В другое название картины - «Австрийский деревенский дом». Она написана в селении Аттерзее. Это еще одно изображение излюбленного художником городка, с которым у Климта были связаны самые приятные впечатления. Простой дощатый домик является зрителю, выходящему из сумрачной рощи, как обещание простых радостей жизни...

Искусство питается скандалами. Несколько лет назад Мария Альтман, пожилая наследница промышленника Блох-Бауэра, потребовала передать ей пять полотен художника, хранящихся в Австрийской галерее, которая размещается в венском Бельведере. Наследница утверждала, что картины были незаконно отняты у Блох-Бауэра нацистами, а затем, после падения Третьего Рейха, были переданы в национальную галерею. Австрийское же правительство потребовало права выкупа полотен для себя...

Тем временем аукционисты потирали руки: цены на полотна Климта растут с каждым годом. Если в 70-е годы подлинник его картины еще можно было приобрести за каких-нибудь полмиллиона долларов, то сегодня, на фоне ажиотажа, связанного с наследием художника, стоимость работ великого австрийца увеличилась как минимум в десять раз!

«В искусстве необходимо еще нечто, секрет, чего не откроет никакой профессор: тонкость, очарование, а это надо иметь в самом себе» (Пьер Огюст Ренуар).

Поль Гоген - РАНЬШЕ (МАТА МУА)

Гоген много путешествовал по миру в поисках художественного покаяния, возврата к примитивному и экзотическому, что могло бы подарить его искусству первозданную чистоту. В поисках земного рая художник отправился в южные моря, на остров Таити. Ненавидящий буржуазную европейскую цивилизацию Гоген нашел здесь любовь и вдохновение.

Таити казался ему островом, где не происходит важных событий, а местные жители, кажется, видят сны наяву. Этот экзотический материал стал основой удивительных работ художника. Гоген постиг нечто, неведомое западной цивилизации, открыл некую тайну, разгадал душу тропиков. «Я закрываю глаза, чтобы лучше видеть», - любил говорить мастер. Этот пассивный способ постижения мира, неведомый «цивилизованному» миру, Гоген и воплотил в своих лучших работах.

Тропики даром не отдают своих тайн: в этом земном раю Гоген нашел не только счастье, но и смерть. Он умер на острове Хива-Оа в возрасте пятидесяти четырех лет, неподалеку от Таити, оплакиваемый женой-туземкой и детьми.

Лучшие работы великого мастера всегда будут связаны с миром красоты, чудес и наслаждений - легендарным райским островом.

«Искусство неподвижно, ибо совершенно... Искусство не имеет ни будущего, ни прошлого, следовательно, оно вечно сегодняшнее... Искусство должно отрешаться от вчерашнего» (Казимир Шалевич).

Клод Моне - НА ЛУЖАЙКЕ

Сад Клода Моне, который живописец создал своими руками, был известен далеко за пределами селения Живерни, где жил мастер. По словам современника, знаменитый сад можно было считать одним из его произведений. Здесь Моне сумел чудесным образом реализовать идею преобразования природы по законам световой живописи. Его мастерская не имела стен - она выходила на пленэр, где повсюду были разбросаны живые «палитры», состоящие из цветов и листьев.

Несколько десятков этюдов и законченных картин было создано художником в этом рукотворном раю, и именно они вызывают наибольшее восхищение зрителя.

«На лужайке» - замечательный образец творчества Моне. Он создал эту полную света картину, стремясь уловить малейший трепет природы. Мастер воспринимал мир как постоянный поток движения и света. Моне пытался преодолеть традицию классической живописи XIX века, передавая кистью текучие, постоянно изменяющиеся картины природы.

«Сегодня более чем когда-либо я вижу, насколько противоестествен тот незаслуженный успех, который выпал на мою долю. Я всегда стремился достигнуть лучшего, но возраст и неудачи истощили мои силы. Не сомневаюсь, что вы найдете мои полотна совершенными. Я знаю, что, когда я их выставлю, они принесут мне большой успех, но мне это безразлично, поскольку сам я считаю их плохими...» (Клод Моне).

Анри Тулуз-Лотрек - ПРАЧКА

Лотрек был большим поклонником творчества Дега, изображавшего пластику и ритм движения. Вслед за Дега, Лотрек выбирал в качестве моделей обитателей парижского «дна» и всегда был с ними на дружеской ноге. Обосновавшись на Монмартре, художник посещал местные кабаре, кафе и прочие увеселительные заведения, черпая там вдохновение. Его полотна - откровенные, полные движения, - показывают изнанку обыденной жизни. Современники не жаловали Тулуз-Лотрека, считая его работы «низкими» и «циничными» и предпочитая им «причесанные» бесконфликтные работы академистов. Признание пришло к мастеру позже.

Написана с использованием импрессионистической техники, однако художник стремится здесь передать не мимолетные ощущения, а правдиво показать индивидуальность своей модели, ее характер.

Любовь к «маленькому человеку» и понимание его нужд и забот снискали Тулуз-Лотреку немеркнущую славу.

«Мулен Руж был для него отправной точкой. Здесь посреди всеобщего движения и суеты, уткнувшись в стакан, с пером в руке, всегда в ожидании появления новых образов, находился удивительный художник, способный расслышать живые и понятные звуки во всем этом нестройном шуме» (Мак Орлан).

Пьер Огюст Ренуар - КУПАЛЬЩИЦА

В великий мастер жанра ню предпочитал писать обнаженную натуру в наиболее естественном виде, сосредоточивая внимание зрителя не на сюжете картины, а на ее форме, цвете и фактуре. В последнем периоде творчества любимой моделью художника стала Габриэль, кузина его жены. Крепкое, пышное тело Габриэль было идеалом, который так долго искал в женщине Ренуар. «Я люблю женщин своей кистью», - часто шутил художник.

Не ищите в этой картине тайного эротического подтекста: купающаяся девушка Ренуара предельно чиста и естественна, она даже не подозревает о существовании свидетеля ее туалета. Едва намеченная небрежными мазками лиственная сень пропускает солнечные лучи, свету которых вторят яркие венчики цветов и румянец на щеках девушки. Браслет на левом запястье купальщицы подчеркивает изящество девичьих форм. Вышитое полотенце привлекает внимание к грациозным линиям спины модели.

Ренуар создал шедевр - торжествующий гимн зримой, простой и в то же время загадочной женской красоте. А зрителю остается лишь трепетное восхищение...

«Требовалась особая сноровка, чтобы в соответствии с законами оптики и психологии на сетчатке родилось должное впечатление... Он и не скрывал своего желания нравиться, и нашел средство осуществить это стремление. Самая суть его существа заставляла Ренуара с любовью писать обнаженные фигуры и портреты - он действительно был в них влюблен, а вовсе не хотел любой ценой приворожить зрителя...» (Морис Готье).

Густав Климт - ЛОМА В УНТЕРАХЕ БЛИЗ АТТЕРЗЕЕ

Венский модерн начала XX века, или «Сецессион», стал вызовом общепринятым вкусам в живописи. Фактически речь шла о полном разрыве с тогдашним художественным рынком, где господствовали официальные союзы художников, назначавшие цену картин и определявшие «генеральную линию» творчества. Вместе со своими единомышленниками Климт отказался от государственной и академической поддержки: мастер жертвовал деньгами в пользу максимальной творческой свободы.

Дома над озером, изображенные Климтом на этой картине, иллюстрируют принципы «нового искусства». Подчеркнуто «неакадемичные» форма и цвет призывают зрителя по-новому взглянуть на привычный пейзаж. Непосредственность и своеобразная детскость восприятия и отражения реальности - важная черта Климта, помогающая полнее и глубже понять его праздничное искусство.

«Мы хотим объявить войну стерильной рутине, неподвижному византинизму, всем видам плохого вкуса... Наш «Сецессион» не является борьбой современных художников со старыми мастерами, но борьбой за успех художников, а не лавочников, которые называют себя художниками, но при этом их коммерческие интересы мешают процветанию искусства» (Герман Бар).

Винсент Ван Гог - ВИД НА КАНАЛ РУБИН АЮ РУА

Пейзаж Ван Гога - это всегда открытие, веселое или печальное. Мастер писал необычайно смело и свободно. По словам его биографа Анри Перрюшо, Ван Гога всегда впечатляла суровая красота Брабанта - самой бедной голландской провинции, вдоль и поперек изрезанной судоходными каналами, где повсюду можно найти следы суровой борьбы человека и природы. В этом краю, кажущемся грозным и враждебным, Ван Гог страдал от своих наваждений, сражаясь с собственными ложными страхами. Творчество помогало ему одержать нелегкую победу над своей мятежной душой. По словам брата художника, который находился у смертного одра Ван Гога, последними словами мастера было: «Печаль будет длиться вечно...»

Настроение этого пейзажа откровенно минорно. Земля поддалась мотыге труженика, но вода остается неприрученной стихией, готовой при первой возможности взбунтоваться и прийти в ярость. Человек отнюдь не хозяин, но гость на этой неприветливой суше, окруженной морем...

Сегодня трудно поверить, что многие свои полотна мастер собственноручно относил старьевщику, чтобы продать по цене простого холста. Но о сгинувших в безвестности шедеврах свидетельствуют дошедшие до нас картины...

«Как бесконечно печальна жизнь! И все же я не могу отдаться во власть печали, я должен найти какой-то выход, я обязан работать. Порой меня успокаивает только мысль, что и меня самого тоже не пощадит беда» (Винсент Ван Гог).

Эдуард Мане - АВТОПОРТРЕТ С ПАЛИТРОЙ

Эдуард Мане - один из основоположников импрессионизма, который сумел сохранить на своих полотнах ясность рисунка и предпочитал бытовые сюжеты. Его кисти принадлежит знаменитый «Завтрак на траве», шокировавший в свое время публику «крайней непристойностью». Тогда же против Мане была развернута целая кампания, которую он переживал довольно болезненно. Долгие годы всемирно известный парижский Салон живописи регулярно отвергал работы художника, и ему приходилось организовывать выставки на собственные средства. Так в борьбе за право быть художником рождался гений Мане.

На автопортрете изображен художник в зрелые годы. Он одет по тогдашней моде и держит в руках кисти и палитру с красками. Мы видим Эдуарда Мане в минуту вдохновения: кажется, сейчас он отведет взгляд и положит на полотно завершающий мазок.

Несмотря на импрессионистическую манеру исполнения, эта работа очень точно передает внешность мастера, который нисколько не приукрасил себя.

«На мой взгляд, я часто, хотя и не каждый день, бываю сказочно богат - не деньгами, а тем, что нахожу в своей работе нечто такое, чему могу посвятить душу и сердце, что вдохновляет меня и придает смысл всей моей жизни» (Винсент Ван Гог).

Клод Моне - АРКИ ИЗ РОЗ. ЖИВЕРНИ

В зрелом возрасте репутация Клода Моне как выдающегося живописца закрепилась, и он, как и многие другие импрессионисты, стал стремиться к уединению. Вместе с женой он поселился в Живерни, крохотной деревушке, расположенной в месте слияния Эпты и Сены. Моне устроил свою мастерскую в живописном саду, который любовно возделывал своими руками.

Период творчества продолжался несколько десятилетий - «Арки из роз» написаны именно тогда. Художник до мелочей продумал планировку своего любимого уголка. Вьющиеся ветки шиповника создали арку над аллеей, которая постепенно превратилась в «воздушный цветник». На картине мы видим сад Моне как бы глазами самого художника.

«Клод Моне сегодня одержал победу над врагами, он заставил замолчать всех вокруг... Если какие-то упрямцы все еще считают искусство застывшей, мертвой формулой и спорят об особенностях его таланта, то они уже не оспаривают тот факт, что этот талант действительно существует и способен заставить признать себя, так как обладает силой и таким обаянием, которое проникает до самой глубины души. Любители, ранее высмеивавшие его, теперь почитают за честь иметь его полотна в своих коллекциях, художники, чаще всего издевавшиеся над ним, отныне рьяно ему подражают» ( Октав Мирбо).

Пабло Пикассо - ПОРТРЕТ ОЛЬГИ ХОХЛОВОЙ

«Женщины Пикассо» - при жизни художника эта тема была излюбленным коньком желтой прессы. Знакомства, связи и расставания мастера были объектом всеобщего внимания, и сам Пикассо с удовольствием питал публику все новыми и новыми скандальными фактами из собственной богатой биографии.

Балерина Ольга Хохлова, дочь бывшего царского генерала, была первой официальной супругой художника. Женщины были нужны Пикассо - только они поддерживали пламя его таланта. Мгновенной и страстной была любовь художника к Хохловой. Великий Дягилев предупредил маэстро: «Будь осторожен, она русская, а с русскими не шутят - на них женятся!»

Пикассо не внял дружеским предостережениям. Бурный брак Пабло и Ольги продлился всего несколько лет, хотя Хохлова формально оставалась женой великого испанца до самой своей смерти в 1955 году...

Работая над этим портретом, Пикассо обратился к художественной манере неоклассицизма. Женщина на картине прекрасна и недоступна, как мадонны Возрождения.

«Перед многими его картинами не покидает чувство, что художник, создавая их, находился не перед натурой, а внутри нее или ходил вокруг и исследовал модель с нескольких точек зрения, стремясь вынести какой-то целостный обобщающий образ» (Игорь Голомшток).

Поль Сезанн - ЛЕВОЧКА С КУКЛОЙ

Творческое наследие Сезанна нельзя оценить однозначно. Его ранние работы грешат отсутствием школы, полотна зрелого периода тяготеют к мрачноватой темной цветовой гамме, и только поздние картины радуют зрителя светом и внутренней чистотой. «Я люблю живопись, но она мне все никак не дается», - жаловался художник в письме к другу.

Сезанн был слишком строг к себе и искал оправдания собственному творчеству. «Это живопись тех, кто не меняет белья, но хочет взять верх над людьми высшего света», говорили раздраженные буржуа. Упорство заменило художнику академическое образование, а талант стал проводником успеха.

Такие полотна мастера, как «Девочка с куклой» не нуждаются в подробных комментариях. В своей неповторимой индивидуальной манере мастер останавливает мгновение быстротечной человеческой жизни...

«Художники должны полностью посвящать себя изучению природы и пытаться создавать картины, которые бы являлись наставлением. Разговоры об искусстве почти бесполезны. Работа, которая помогает человеку достичь успеха в своем деле, является достаточной компенсацией за непонимание, проявляемое глупцами... Художник не должен быть чересчур скрупулезным, или чересчур искренним, или чересчур зависимым от натуры; художник является в большей или меньшей степени хозяином своей модели, а главным образом - своих средств выражения» (Поль Сезанн).

Джон Констебл - ПЛОТИНА

Наибольшую известность этому художнику-романтику принесли пейзажи с видами окрестностей Суффолка, откуда Констебл был родом. Сегодня эти места называют «Землей Констебла». В письме другу художник писал: «Я должен писать родные места. Живопись - не что иное, как выражение моих чувств...» При жизни картинам Констебла не сопутствовал успех - за всю жизнь он продал лишь двенадцать своих полотен. «Уж лучше я буду бедным в Англии, чем богатым за границей» - так говорил художник, и эти слова обличают в нем истинного патриота. Зато сегодня пейзажи Констебла очень популярны у коллекционеров. Хотя художник учился в Академии живописи, но основную творческую школу он прошел, самостоятельно работая на пленэре. На его манеру письма повлияли старые мастера. Модные в то время пейзажи и развалины старинных построек особенно удавались Джону Констеблу.

Мастеру принадлежат три знаменитых правила пейзажной живописи: этот род живописи столь же техничен, сколь и поэтичен; одно лишь воображение не может породить истинное художественное мастерство; и в-третьих, ни один из великих художников не был самоучкой.

«Констебл говорит, что превосходство зеленого цвета его полей достигается сочетанием множества зеленых красок различных оттенков...» (Эжен Делакруа).

Энди Уорхол - ЭЛИЗАБЕТ ТЕЙЛОР (ЛИЗ)

Энаи Уорхол - признанный король современной живописи, культовая персона XX века. Его работы входят в топ-листы самых престижных и дорогих аукционов. В качестве модного фотографа и не менее модного художника он сотрудничал со звездами шоу-бизнеса: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Элвисом Пресли, Джимом Моррисоном и другими.

Образ «богини экрана» Элизабет Тейлор поражает своей интенсивностью. Вероятно, такой звезду представляли ее самые ярые поклонники. Портрет не утратил своей эмоциональности и сегодня. Мир «шоу-бизнеса» так обманчив и манящ...

На пике успеха художник приобрел дом в Манхэттэне и устроил в нем свою «фабрику» - так он называл студию, где производились «шедевры» «массовогоискусства». «Фабрика» прославилась своими вечеринками и атмосферой вседозволенности, которой пользовались не только художники, но и поэты, музыканты, политики - друзья Энди Уорхола.

«Золотые шестидесятые в действии» - так можно охарактеризовать атмосферу его кричащих картин...

«Моя живопись является воплощением жизни, моей собственной жизни, прежде всего, которая была очень трудной. Поэтому, возможно, мои картины слишком агрессивны, но это естественная цель для меня» (Фрэнсис Бэкон).

Диего Веласкес - ПОРТРЕТ ХУАНА ДЕ ПАРЕХА

На портрете мы видим испанского художника, ученика Веласкеса, Хуана де Пареха. Он изображен вполоборота. Гордо вскинув голову, с большим чувством собственного достоинства смотрит живописец на зрителя.

Хуан де Пареха был потомком мавров - арабов, живших на Пиренейском полуострове, - отсюда его колоритная внешность. Взгляд карих глаз свидетельствует о страстном порывистом характере, а чуть приоткрытый рот придает его облику достоверность, которую умел придавать своим портретам Веласкес.

Портрет задуман так, что зритель вновь и вновь возвращается к лицу и сосредоточивается на глазах персонажа, написанных с удивительной живостью.

Выставленный в римском Пантеоне, портрет вызвал всеобщее восхищение своей безыскусностью и правдивостью. Один из современников Веласкеса заметил: «Художники разных наций сошлись во мнении, что рядом с ним все прочие картины кажутся живописью, и лишь он один - самой истиной».

Благодаря этой картине, Веласкес был принят в члены академии святого Луки - свидетельство высочайшего признания, которое творчество великого испанца получило на родине живописи, в солнечной Италии.

«Художник пишет не то, что видит, а то, что будут видеть другие» (Поль Валери).

— Современные xудожники, продажа живописи, галерея картин
— Драгоценные украшения - часть культуры
— В чём ценность картины?
— Ликбез юного театрала
— Молберты